布景
戏剧演出视觉形象中构成景物环境的实体部分。源于拉丁语装饰之意 。曾称舞台装饰 。布景艺术创造的艺术形象，由设计者根据剧情的要求进行构思和设计，用舞台技术的方法造型和塑形，使其体现在演出中，与灯光、化妆、服装等共同综合塑造演出外部形象，帮助演员表演，揭示剧本内涵。
它经过了古代原始形态和后来的同台（场）多景、三棱柱旋转布景、透视布景、三面墙布景、值班布景等历史布景样式。从17世纪开始以创作思潮、风格等区分布景类型的习惯，先后经历了巴洛克风格、古典主义、洛可可风格、浪漫主义、自然主义以及批判现实主义等。19世纪中叶兴起的象征主义思潮，划定了布景创作的古典形态和现代思潮间的界限 ，出现了主体主义（派）、未来主义（派）、表现主义(派)、构成主义（派）、超现实主义等现代布景流派。从其技术结构特点上又可分为：箱式结构、帷幔结构、台阶（阶梯）结构、条屏结构、空间结构、共用结构、骨架结构、层次结构、投影结构等不同的布景样式。
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色疲劳
人的眼睛长时间看色彩对象时产生的色觉疲劳现象。不同的色彩产生色疲劳的程度不同，绿色最小长时间看单色物体最容易产生色疲劳。彩色电影、电视的摄制要注意单色画面的时间长度。
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道具
一指电影厂的造型部门，称道具车间。拥有道具库，储存不同时代、不同地域的实物道具。二指物件：是和电影场景、剧情和人物相关联的一切物件的总称。道具有戏用道具、效果道具、市招道具、动物道具、贯穿道具、陈设道具等。道具的作用是体现场景环境气氛，地区和时代特色。道具有时起以物煽情的作用。电影道具和戏剧道具相比有不可质疑的真实性，也允许作假但要十分逼真。
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场地外景
搭建在摄影棚以外的临时性或永性的场景。影片中某些场景规模大，在面积和高度有限的摄影棚难以搭制，可利用场地外景。永久性的场地外景，可用于不同影片的场面，如京电影制片厂厂区内搭建的“北京西四一条街”场地外景。利用场地外景拍摄更加真实。可利用自然光拍摄，但易受气候的影响，白天拍夜景或晚上拍日景都受到一定的限制。
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道具师
电影道具部门的创作人员，负责设计组织一部影片所需要的各种道具，负责编制道具预算，对难以解决的特定道具，负责监制与验收。道具师应具有一定的文学艺术修养和历史知识，电影艺术基本知识，史解不同历史时期有关道具样式，领导安排道具员的工作。
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影片筹备阶段
从制片公司下达影片生产命令，宣布影片主创人员和制片主任的名单，生产周期等各项生产指标开始，到影片开机，为影片拍摄的筹备阶段。筹备阶段的重点工作有：选主要演员，选外景，进行行案头工作。在这一阶段导演和摄影美术师主创人员密切合作，发挥集体创作的作用。导演应写出分镜头剧本，以及导演阐述，并向摄制组成员宣讲，以便各创作部门进行各项准备工作。演员要根据导演要求，研究剧本，探讨角色，体验生活，并对重场戏进行练；摄影部门准备器材，拍试片；美术部门绘制气氛图和制作图，设计人物造型，准备化装，服装，道具等；录音部门对同录音工作进行设计和器材准备工作；制片部门编制摄制日程和经济预算。总之筹备阶段的工作作得充分与否，是影片能否顺利拍摄、节约成本的基础，也是保证影片质量的前提。
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主观镜头 (SUBJECTIVE SHOT)
表示片中角色观点的镜头。当角色扫视一场面，或在一场面中走动时，摄影机代表角色的双眼，显示角色所看到的景象。从镜头给观众的印象而言，又有客观镜头和主观镜头两种。从导演（也是观众）的视角出发来叙述的镜头叫客观镜头。从剧中人物的视点 出发来叙述的镜头叫主观镜头。主观镜头把摄影机的镜头当作 剧中人的眼睛，直接“目击”生活其他人、事、物的情景。它因代表了剧中人物对人或物的主观印象，带有明显的主观色彩，可难事我观众产生身临其境、感同身受的效果，进而使观众和人物进行情绪交流，获得共同的感受。
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电检制度 (CENSORSHIP)
各国政府对电影检查采取的制度一般包含三个层次：（1）指拍摄前对电影题材之压制；（2）指对完成影片之检查，使其传播管道貌岸然受到阻绝；（3）指由检查人员删剪影片，或鉴于争议性的内容，禁止整部影片。
"美国电影协会"在1968年设立分级制度，取代好莱坞的自律守则。分级制度依据影片对不同年龄阶层的适宜性，将电影区分四类：G级（普通级，年龄不限）、PG级（辅导级，年龄不限，但需有家长陪同）、R级（限制级，17岁以下观众需有家长或监护人陪同）、X级（成人电影，17岁以下观众禁止入场）。
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仰俯镜头
大多数的镜头是平视拍摄的。在电影画面中，拍摄角度不同，被摄对象在观众视觉范围内的方位、形象就会变化，从而引起观众对被摄对象的注意，改变观众的心理反应。仰摄就是摄影机由下往上、从低向高的角度拍摄，仰镜头代表了观众 向上仰望的视线，在感情色彩上往往有舒展、开阔、崇高、敬仰的感觉。俯摄就是摄影机从高往低、由上往下的角度拍摄，俯摄代表了观众向下俯视的视线。俯镜头在感情 色彩上，使人有阴郁、渺小、压抑的感觉拍摄角度适宜表现人的悲剧命运或是反而人物的可憎卑劣。在许多影视片中，时常用俯镜头拍摄敌人的酒宴、赌场的嘈杂、匪徒的密谋等等。
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执行导演
一部影片有两名以上联合导演时，负责现场拍摄工作的导演，称为执行导演。执行导演在工作中贯彻导演组的统一意图。
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拍摄阶段
从一部影片的开机到停机的过程。也称前期拍摄阶段，简称前期制作。是影片生产的关键环节，也是影片主创人员意图和构思，进行银幕体现过程。在拍摄工作中导演经常开镜头会议，布置拍摄任务，检查各部的准备作情况，研究临时出现的问题。验收布景，检查化、服、道等工作，对工作样片的粗剪，也是拍摄阶段的工作。拍摄阶段要完成外景和内景的拍摄任务。
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偷拍 (CANDID CAMERA)
一种拍片方法，指在真实状况中拍摄真实的人物，而被摄影者并不知道有人在拍摄他们。如《秋菊打官司》。
非正常的拍摄方式。利用事先设置好的掩体或用特殊摄影机不让被摄对象发现的拍摄方法。偷拍要注意不能侵犯肖像权。故事片用它的目的是为了得到真实自然的效果，新闻片是为了不让被摄对象发现。比如拍摄违法乱纪等曝光事件。
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回忆
电影的叙事方法之一。
按着事件发展的顺序，穿插一段或几段对往事的回忆。影片《小花》是小花的母亲的几段回忆。和闪回不同，闪回是主观意念，闪回的内容和正在叙述的事件无关。
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倒叙 (FLASH-BACK)
先交代故事的结局或某些关键性情节，再倒转回去具体叙述故事始末的叙述方法。
倒叙在写作中就是把事件的结局或某一最突出的片断提到前边来写，然后再从事件的开头进行叙述的方法。在电影创作中，也经常用这种方法。从故事发展的结果开始叙述，然后再开始回述以往故事的发生和发展。前苏联影片《这里黎明静悄悄》年迈的上尉带领几个年轻的人在扫墓，然后倒述墓碑下牺牲的年轻的女战士们在伟国战争中可歌可泣的故事。影片结尾又回到墓碑前。影片《辛特勒名单》、《廊桥遗梦》、《泰坦尼克号》等都用了这种方法。
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对比蒙太奇
镜头之间、段落之间、场景之间的内容，进行对比组接，形成强调、、反衬、联想、喻意等效果。比如真与假、善与恶、美与丑、贫与富、苦与乐、悲与喜、新与旧、生与死等，直接衔接形成对比，是影片常用手法。
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镜头 (SHOT)
镜头在影视中有两指，一指电影摄影机、放映机用以生成影像的光学部件，由多片透镜组成。各种不同的镜头，各有不同的造型特点，它们在摄影造型上的应用，构成光学表现手段；二指从开机到关机所拍摄下来的一段连续的画面，或两个剪接点之间的片段，也叫一个镱头。一指和二指，是两个完全不同的概念，为了区别两者的不同，常把一指称光学镜头，把二指称镜头画面。
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色彩造型手段
色彩造型手段，指摄影师、摄像师对画面的色调处理手段，色彩和光线一样也是摄影、摄像师的重要的表现元素。电视画面色调有时要求客观再现，有时还要渗透摄影师的主观意识，发挥色彩的表情作用。比如阴暗的冷色调往往和压抑、忧愁、痛苦和悲哀相联系在一起；而温暖的亮色调往往和兴奋、欢乐、喜庆和幸福相联系。摄影、摄像师可以利用不同的色调，来表现不同的人物情绪和环境气氛。
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光学造型手段
光学造型手段，指摄影师、摄像师在摄影创作中对光学镜头的运用。在摄影、摄像艺术中，光学镜头不只是聚焦成像的技术工具，它还是一个重要的造型表现手段。不同焦距的镜头，不同景深,具有不同的造型特性，利用这些不同的造型特性，可以完成不同的创作任务。比如长焦距镜头具有景深小、压缩空间、影像大等特性，可以利用它进行远距离拍摄和偷拍，可以得到虚化环境突出主体的画面效果，也可以获得一种拥挤、堵塞的艺术效果。短焦距(广角)镜头有夸张、变形的性能，摄影、摄像师可以用来丑化反面人物或强化环境的辽阔感。
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左岸派 (LEFT BANK GROUP)
1950年代末出现在法国的一个电影导演集团，因成员都住在巴黎塞纳河左岸而得名。他们是亚兰雷内、安妮华妲、克里斯马克、亚兰罗布格利叶、玛格丽特莒哈丝和亨利科尔皮等。代表作品有雷内的《慕里爱》（1963）和《战争终了》（1967），罗布格利叶的《不配的女人》（1963）、《欧洲特快车》（1966）等。
60 年代中期，法国“新浪潮”电影转入后期，以阿仑·雷乃、瓦尔达、罗伯 - 格里叶等为代表的“左岸派”（因居住在法国塞纳河的左岸而德名）声誉日隆。他们的影片更着重于探讨现代人的迷惘和心理过程本身，很少直接表现浪漫主义的抒情主题；更多地热衷于进行各种心理实验，向体现存在主义和弗洛依德主义方面进了一大步，并吸纳了伯格森的直觉主义与布莱希特的戏剧技巧。由于他们与新浪潮电影导演的风格非常接近，有时也被归于新浪潮电影名下。但“左岸派”却公开拒绝被贴上“新浪潮”的标签。然而，由于 1959 年《广岛之恋》的出现正好赶上“新浪潮”的幸福之年，因此，人们便把它看作“新浪潮”的一部分。
“左岸派”电影的代表作有《广岛之恋》（1959）和《去年在马里昂巴德》（1961）。两片的导演都是阿仑·雷乃。前者编剧是玛格丽特·杜拉斯（Marguerite Duras），后者编剧是罗伯 - 格里叶。两位编剧都参与设计了导演构思。由于“左岸派”导演和文学有深切的渊源关系，所以他们的探索和创新，有时偏离电影固有的形式太远，像杜拉斯后来独立拍摄的电影，往往是一些静态的画面，配上文学性极强的话外音（如《印度之歌》，1975；《阿迦塔》，1981），因此被称为“非电影”。但阿仑·雷乃在视觉和语言之间却找到了非常完美的平衡。
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水下摄影
摄影人员和摄影机潜入水中拍摄水中景物的方法。摄影人员身穿潜水衣，脚戴鸭脯，操纵水下摄影机拍摄，也可以将摄影人员和普通摄影机放在潜水设备中通过密封窗拍摄。较深的水下，须要水下照明灯光。也可以把水下摄影机潜入水中，摄影师在水面上面，遥控摄影机拍摄。
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反光板
电影电视照明的辅助工具。用锡簸纸、白布、米菠萝等材料制成。反光板在外景起辅助照明作用（作为副光），也有时作主光用。不同的反光表面，可产生软硬不同的光线。近来，反光板在内景也得到普遍运用。
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多次曝光
特技摄影方法之一，通过两次以上曝光，完成一个电影画面的摄影方法。可以把不同时空的拍摄对象有机地合成在一个画面里。基本原理是用遮片相互遮挡，使多次曝光的影象不重叠。也可以不用遮片，使多次曝光的影象重叠。
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呼应
呼应是构图表现方法之一。是指画面中的景物之间要有一定的联系。可以利用景物以及光影、色彩使画面构图达到均衡、和谐、含蓄的画面效果。
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顶角角度
电影、电视常用角度之一。两个被摄对象形成的关系轴线和机位形成一个等腰三角形，在这个等腰三角形的顶角位置拍摄，成为顶角角度。这种角度拍摄的画面两个人物所占的空间相等，常用于一场戏对话的开始和结束。
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外反拍角度
在关系轴线一侧拍两个人物时，拍摄方向基本相对，这两个角度称为外反拍角度。外反拍角度为客观角度，这是代表导演、摄像的视线，对被摄对象做客观介绍。也代表观众的视角。外反拍角度经常用在表现甲乙两个演员之间的交流。以乙为前景拍甲，在拍近景和特写时，位于前景的演员只带一部分，以突出主体。内反拍、外拍角度的组合，是拍摄中最常用镜头调度方法。拍主持人或记者出镜的镜头，采访某人经常用这种角度拍摄。这也就是平常讲的过肩镜头。拍过肩镜头，前景人物以不露眼睛为宜，避两个镜头的免抢夺观众注视主体人物的视线。
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内反拍角度
在关系轴线的一侧，两个镜头的机位方向基本相背，各拍一个人物，称为内反拍角度 。内反拍角度是主观角度，它代表剧中人物各自观察对方的主观视向，如果演员甲站在高处，乙站在低处，拍两人对话时，各自的主观角度有一仰一俯之分。
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轴线规则
轴线规则是镜头调度的一般规则。是指在用分切镜头表现一场戏时，机位的变化要在轴线的一侧进行调度和安排。比如，拍甲乙二人对话交流，分切成若干镜头1、2、3位于关系轴线一侧，在画面中，甲在画左，乙在画右，都是正确的。镜头4越过了关系轴线，甲跑到画右，乙跑到左去了。不能和镜头1、2、3衔接，接上就会犯方向错误。造成视觉混乱。拍两人对话，都要设在关系轴线的一侧设定角度拍摄。
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轴线
所谓轴线，是指由被摄对象的视线方向、运动方向和相互之间的关系形成一条假定的直线。由视线方向和运动方向形成的轴线称为方向轴线，由相互之间位置(两个人物以上)形成的轴线谓之关系轴线。在一场戏的镜头调度中，摄像机位置的变动范围，相邻镜头的拍摄角度，受轴线的制约。否则给后期剪辑工作造成困难。
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假定性色彩
也称夸张性色彩。强调色彩的主观感受和色彩的情绪表现力，根据剧情内容和导演的创作意图，对影片的色彩进行加工，使银幕上的色彩远离生活中的固有色彩 。如张艺谋的《红高粱》，把绿色的高粱地拍成红颜色，以获得特殊的色彩造型效果，是假定性色彩的应用范例。
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逐格摄影
电影镜头特殊的拍摄方法之一。使用逐格马达，驱动摄影机一格一格的进行拍摄。最后完成一个完整的镜头。银幕效果是极大地加快了动作的速度。如荷花盏开、乌云滚动、日出日落、幼芽出土……把几天才能完成的动作，用几秒钟的时间展现在银幕上。
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影像
影像指拍摄对象留在胶片上的正象或负像。被摄体通过摄影机镜头形成光学图象，聚焦在摄影机里的胶片上，通过曝光形成潜影，经过冲洗，在胶片上形成由银粒或染料组成的被摄体负像，经过复制在正片上便可得到正象。负像和正象都叫影像。有时，把银幕形象也叫影象。
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特技摄影师
电影特技镜头的主要创作人员之一。与特技美术师合作，研究剧本，研究确定设计方案，运用相应的特技工艺技术，以普通的或特殊的摄影设备，完成特技镜头的摄制，以体现导演的创作意图。
特技摄影师除了具备一般摄影师的技能外，还须熟练掌握各种特技方法，各种特技摄影设备，多种特技摄影用的胶片的性能。和大组分别拍摄的特技镜头，和整个影片的镜头在影调、气氛、风格保持一致，是特技镜头拍摄的难点。
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编剧
编剧在整个影视剧或者舞台剧等艺术形式中，所起到的作用主要是编写剧本，即创作出故事，台词，主戏以及过场戏，突出故事中心，塑造人物性格。
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摄影师
摄制组的主要创作成员之一。负责运用摄影器材和造型手段，将电影场面艺术地记录于胶片，完成体现导演创作设计的银幕造型任务。在摄制组中，一般由摄影、照明人员组成摄影小组，摄影师作为摄影创作和技术处理的负责人，领导摄影小组工作。某些摄制组设总摄影师，摄影师则在其领导下，作为执行摄影，负责具体创作和技术工作。按照片种的不同，分为故事片摄影师、科教片摄影师、新闻纪录片摄影师、美术片摄影师等。此外，还有从事特技摄影、特殊摄影（如显微摄影、水下摄影、空中摄影等）、字幕摄影等专业摄影师。
职业名称：摄影师
职业定义：使用照相机、感光片、光源和造型技艺在室内外拍摄人像、风景、产品及生产或生活图像信息的人员。
职业等级：本职业共分五个等级
初级 （国家职业资格五级）
中级 （国家职业资格四级）
高级 （国家职业资格三级）
技师 （国家职业资格二级）
高级技师（国家职业资格一级）
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打光 (LIGHTING)
电影摄影中，设计、安排人工或自然光源的工作。打光工作通常考虑：如何取得光源及如何运用这些光源。
为肖像照打光
光线可对拍摄对象外观产生很大影响。 只要改变光照状况，您可以将吸引人的表情变成一种令人恶心的表情。
光线强度
明亮的阳光太强，并且会产生黑暗且清晰可见的阴影，从而掩盖了脸部表情突出了皱纹和斑痕产生讨厌的斜视阴暗天空的光线或朝北窗户透进的光线柔和，产生的柔和阴影不会掩盖脸部表情使皱纹和斑痕显示得最少展示细微的肤色和色调使拍摄对象眼睛显得张开光线方向阳光的方向，特别是强烈阳光的方向会改变人们在照片中的面容。
什么方向最好？
这取决于您要实现的效果。
前光：直射在人脸上的强烈阳光使脸部无光泽并且导致斜视。
头顶光：正午时，阳光在头顶，因而投射出让人讨厌的脸部阴影。 使用相机的闪光灯照亮强烈的脸部阴影。
侧光：每天的早晚时分，安排好拍摄对象的位置，使阳光只照在脸的一侧。 脸的一侧被照亮而另一侧在阴影中，这样会产生动人的效果。 要减少阴影影响，可使用补光闪光灯。
背光：拍摄对象的脸不朝向太阳时便会出现背光。 这使拍摄对象的脸部在阴影部分，消除了斜视，且通常使头发显得有光泽。 使用补光闪光灯照亮拍摄对象的脸部。
室内光照
由于室内光线通常阴暗，因此要拍出好的室内照片是不容易的。 自然光比大多数人造光要亮得多，因此，通常最好是采用从朝北窗户透进的光线（或不会产生阳光直射的任何窗户）拍摄人物照片。
窗户透进光线：从窗户透进的柔和、不直射的光线很适合拍摄人物照片。 如果不靠窗户那侧的脸显得太暗，可调整自己和拍摄对象的位置，这样，脸部可接收到更多从窗户透进的光。 由于阴暗的窗户光线会迫使相机使用慢快门速度，因此要特别拿稳相机或者使用三角架。
人造光：台灯和吊灯的灯光通常不是很适合拍摄人物照片。 尽量避免使用它们，并选择使用闪光灯或从窗户透进的光。 如果必须使用它们，要特别拿稳相机或使用三角架。
闪光灯：内置闪光灯对于室内拍摄人物快照很有用，但对于拍摄肖像作用不大。 对于拍摄肖像，要使用从窗户透进的光。 使用闪光灯在室内拍摄人物照片时要遵循以下提示：
使拍摄对象在相机闪光灯使用范围内（请参阅相机手册）。 拍摄一群人时，请确保所有人都在闪光灯可达到的大约同一距离内。
打开所有室灯以避免红眼。 闪光灯光线照到眼中并反射回相机镜头时会产生红眼。 额外的亮度有助于减少拍摄对象的眼瞳大小，使更少光线进入眼中。
注意表面光滑的物体，如镜子、窗户、眼睛，它们会反射闪光灯光。 与发光面成一定的角度，以防相片中出现不需要的闪光灯反射。 让戴眼睛的拍摄对象将头稍微偏转或倾斜。
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政治电影 (POLITICAL FILM)
直接表现真实政治事件、政治运动和政治思潮的影片，或反映当代某一重大社会政治问题的影片。如柯斯达加华斯的《大风暴》（1969）、《大冤狱》（1970）。
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执行制片 (PRODUCTION MANAGER)
制片工作的实际执行者。负责调度整个拍片过程的行政与后勤工作。
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主题曲 (THEME SONG)
代表影片主题的歌曲，或因风行而被认为对一影片具有代表性的电影插曲。如《银河》（MOON RIVER）则是《第凡内早餐》（1961）的主题曲。
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正式演员 (PERFORMER)
在一部电影中，担任了至少一部分说、唱或舞蹈表演的人。与临时演员、龙套演员有别。
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装片 (LOADING)
指把胶片装入放映机或摄影机片盒，以备放映或拍摄。
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制片厂 (STUDIO)
1.制片厂 制作影片的复杂生产机构。如好莱坞的大制片厂。
2.摄影棚制片厂的主要生产建筑。可以其中搭置布景，安排各种灯光设备，以进行影片拍摄工作。
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重拍影片 (REMAKE FILM)
根据以前拍过的电影故事拍摄的电影。《驿马车》原是1939年的片子，1966年又拍过一次，名叫《关山飞渡》。
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主镜头，主场摄影机 (MASTER SHOT，MASTER SCENE)
相当远地以远景或移动镜头拍摄一个段落的所有动作。拍摄完之后，如果只用一台摄影机，便要以中景和特定拍摄重复的动作，在剪接时插入主镜头中。
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最后关头救援 (LAST-MINUTE RESCUE)
一种普遍见于通俗影片的布局及剪接技法。通常是大量地运用交叉剪接。交叉剪接一方面揭露受害者命在旦夕，另一方面同时显示救兵正在途中飞速前进，援救行动是在最后关头才完成。如史蒂芬史匹柏的《法柜奇兵》（1982），全片充满了这种最后关头救援剪接。
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栅顶鹰架 (CATWALK)
摄影棚内的悬空支架结构，便于工作人员接近摄影棚上方的灯具和录音设备。
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转场 (TRANSITION)
自一场景转至另一场景，或自一段落转至另一段落时，所采用的种种方法。
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自动播音记录器 (AUDIMETER)
用于1250个家庭中，调查家庭收视习惯的一种装置。
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原著剧本 (ORIGINAL SCREENPLAY)
电影编剧根据自己的构想所写出来的电影剧本，而非自现成的小说、戏剧或歌剧所改编的剧本。
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意象派电影
运用一系列相关的意象，以制造一种气氛，或创造一种抽象概念的电影。
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艺术剧场 (ART THEATER)
指放映不属于商业主流电影的电影院。艺术电影院放映的影片，重电影本身的品质，较不注重商业吸引力，如当代重要导演的影片、独立制片影片、影史的经典作品，及发行有限的前卫及实验电影。亦称ART HOUSE。
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印片 (PRINTING)
在冲印厂中，把一个底片的影像利用光的调制复制到另一个底片的过程。
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影片尺数 (FOOTAGE)
广义而言，指任何一段影片、一个镜头、一个场面或一个段落。比较精确地来说，指一段影片的尺数。
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音画错位 (OUT OF SYNC)
剪接声画拷贝时，由于音画合成的工作做得不够精确，以致声音与其相应影像对不齐。这种疏失在演员讲话不对嘴时最为明显。
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移动车轨道 (TRACKS)
铺设在地面供移动车滑行地轨道。
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续集影片 (SEQUEL)
情节发展延续前一部影片故事的电影。续集通常因为前一部影片的票房好，想将它所造成的魅力再加利用而拍摄的。例如《教父》（1972）、《大白鲨》（1975）都拍过续集。
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小配角 (BIT PART)
电影中的小角色，通常只有几句台词，或在电影中具有某一片刻的戏剧意义。亦称“特约演员”。
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叙述者 (NARRATOR)
在影片中直接以语言为观众提供讯息或发表评论的人，这个人不一定会出现在画面上。例如一般的纪录片解说员，就是评论者。
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续集电影 (SERIAL)
1912年至1920年间风行之电影风格，每一集人物、地点连贯，大都为好人与恶人相斗，总在最后一刻结局揭晓前喊停，观众必须继续看下回才知结局。
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现场音乐 (SOURCE MUSIC)
自场面某处发出之音乐，如收音机、留声机或乐团之演奏，是背景音乐的一种。
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宣传片 (PROGAGANDA)
指为了增进国家内部或集团之间的团结，或为了改变、瓦解国民对敌对或中立集团的观感而拍摄的影片，特别是在战时。
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威尼斯影展 (VENICE FILM FESTIVAL)
世界上的第一个国际影展，开始于1932年，所设奖项为金狮奖。
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外景拍摄 (LOCATION SHOOTING)
远离片厂的拍摄方式。
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外国版 (FOREIGN VERSION)
与原版影片不同语系的放映拷贝，此种拷贝经常叠印上外文字幕，或是将他种语言的对白声带加到原版的配乐和音效声带上，称为“译制片”。
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五分钱戏院 (NICKELODEON)
电影公开放映初期美国电影院的通称。是由入场费五分钱（NICKEL）这个字，和希腊文戏院（ODEON）这个字结合而成的。
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特艺彩色 (TECHNICOLOR)
一种彩色电影的摄制系统，由柯达公司出品。在1950年代之前，几乎是彩色影片的代名词。
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特殊效果，特殊摄影效果 (EFFECT)
依其制作方式的不同，可以分成两种，一种是实际在摄影机前进行的特殊效果，另一种是特殊摄影效果（SPECIAL PHOTOGRAPHIC EFFECT），指以光学处理或摄影技巧，直接在底片上完成的效果。像飓风、火灾、爆炸之类的灾难事件或激烈动作，和模型镜头的拍摄等，都属于特殊效果。史丹利库柏力克的《2001太空漫游》（1968）是特殊效果极佳的典范。 8MM FILM 8毫米电影胶片宽度为16毫米胶片一半的影片，为电影拍摄用的最小规格影片，于1932年问世，主要用于家庭影片、实验影片，及教育影片的摄制。这种影片格式，由于电子录影的出现，而被迅速淘汰。
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提示动作 (CUE)
一个被指定的讯号、动作、手势，或是一句台词，用来提示演员或技术人员作某一动作的准备。
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提词卡 (CUE CARD)
写有台词对白的大型厚纸板。
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陶德宽银幕 (TODD-AO)
由陶德公司研究发展的一种宽银幕系统，它用的底片规格是65毫米，而且只需要一部摄影机和一部放映机。《奥克拉荷马之恋》（1955）和《环游世界八十天》（1956）是最先采用陶德宽银幕系统的影片。
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潘娜维馨体 (PANAVISION)
一种宽银幕电影系统的商标名称。第一部以超潘娜维馨体制作的电影是《宾汉》（1959）。
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摄影督导 (DIRECTOR OF PHOTOGRAPHY)
指拍摄影片时监督照明和摄影的人，主要是负责将编剧和导演的概念转化为真实的影像。
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摄影机稳定器 (STEADICAM)
一种轻便的电影摄影机机座，可以手提。它在1970年代逐渐为人普遍使用。在《洛基》（1976）的练拳场面中，摄影机稳定器充分发挥了它的妙用。 STOCK FOOTAGE 资料片制作一部影片用到其它影片的画面时，该段画面就叫资料片。《广岛之恋》（1959）就用了很多广岛原爆的纪录片做资料片。
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首轮放映 (FIRST RUN)
指影片在选定的戏院作头一轮放映.习惯上放映首轮影片的戏院,称为“首轮戏院”（FIRST RUN THEATER）。
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摄影速度 (CAMERA SPEED)
指底片在电影摄影机中转动的速度，通常是以秒格数（fps）来计算，正常的摄影速度是一秒廿四格。
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伸缩镜头 (ZOOM SHOT)
指不改变摄影机及被摄对象，仅改变镜头焦距即可获得从全景渐变至近景（或反之）的电影画面。
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溶 (DISSOLVE)
一种渐进的转场技巧，即在一个场景淡出时，另一个场景淡入。
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视差 (PARALLAX)
指摄影机中，观景窗和镜头所取到的景框有差异之谓。
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人工光 (ARTIFICIAL LIGHT)
相对于自然光的灯光照明。
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手持摄影机 (HAND-HELD CAMERA)
一种比较轻便、易于徒手操作的摄影机，也指一种电影拍摄方法。手持摄影机经常被有意使用，以为影片啬一种即兴的、自由的风格。纪录片一直大量使用这种拍摄方式，剧情片也常用到。
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圈入、圈出 (IRIS IN/IRIS OUT)
一种光学转场技巧，以一个圆将画面的外围遮住，并逐渐缩小这个圆，直到画面完全消失，这叫圈出；相反的过程叫做圈入。
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柔焦 (SOFT FOCUS)
利用特别的滤色镜片，或将纱网或其它的散光器材置于镜头前，以拍摄出略微失焦的效果。经常被用来创造浪漫的气氛。
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入镜、出镜 (CROSS IN/CROSS OUT)
指演员自画面的一边进场或朝画面的一边出场。
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喷雾减光 (BLOOM)
在镜头或任何玻璃表面喷上特殊的透明剂，以减少光线的反射。
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切 (CUT)
将两段影片不经特殊处理（如溶、划）直接连在一起。
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片头，开场戏 (TEASER)
指放在电影片头字幕前的一场戏，旨在引导观众对以后故事的兴趣。
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片门 (APERTURE)
镜头后的一个与底片规格相符合的框口，拍摄或放映时，每一个画格经过这个地方要停一下再走，完整地接受曝光或投影出去。亦称 PICTURE GATE。
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屏幕高宽比 (ASPECT RATIO)
画面比例影像放映在银幕上的宽高比例。国际标准规格为1.33：1，遮幅宽银幕影片为1.85：1。
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拍摄比例 (SHOOTING RATIO)
拍摄时所用底片长度，与实际放映的影片长度之比例，例如拍摄时用了五万尺底片，而放映时才用了一万尺，就是5：1的拍摄比例。
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闹剧 (SLAPSTICK COMEDY)
取法粗鲁、带攻击性动作之喜剧，以不造成伤害的暴力行为为其重点。英文的典故来自一副由两块木头组成的拍板。最早出现闹剧的是卢米埃的《水浇园丁》（1895）。
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曝光过度 (OVEREXPOSURE)
指由于光圈开得过大、底片的感光度太高或曝光时间过长所造成的影像失常。
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片长 (RUNNING TIME)
以标准速度来放映一部影片所需的时间长度。剧情电影的长度也形成大约在90分钟到130分钟之间。
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片盒 (MAGAZINE)
一种不透光的扁平盒状物，附于摄影机上。一个35毫米片盒最多可以装到1200尺，约十三分钟，这是单一镜头的长度极限。
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片厂电影 (STUDIO FILM)
在摄影棚内搭景拍摄而非实景拍摄的影片。
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平角度镜头，水平镜头 (Eye-level shot)
一种视平线离地约四至六尺高的位置所拍摄出来的镜头。这种镜头由于符合一般人身高状态下的视觉习惯，在电影拍摄过程中常被采用。 FADE IN/FADE OUT 淡入、淡出在电影中，由一个场景接到另一个场景的转场技法，是一种光学效果。淡入是指场景由全黑渐明，而致影像出现在银幕上；淡出是指明亮的影像渐渐暗淡，终致全黑。
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配额制度 (QUOTA)
最觉见的一种电影保护政策，规定进口影片与本国影片要成一定比例。
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配乐 (SCORE)
根据电影的色彩、情绪、气氛、人物、情节发展而创作，紧密地为表现影片主题和剧情服务的乐曲。
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摩维拉剪接机 (MOVIOLA)
一种具有小型看片银幕，由马达带动的有声剪接机器。由于广泛使用，所以几已变成剪接机的同义字，是专业剪接室不可少的设备之一。
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母题 (MOTIF)
指的是一个意念、人物、故事情节、或念白、影像、乐段，其一再出现在电影作品里，成为利于统一整个作品的有意义线索，并加强了美感、趣味、哲理上的吸引力。如《惊魂记》（1960）中的双重身分与镜像母题。
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魔术灯 (MAGIC LANTERN)
一种娱乐装置，可算是电影放映机的前身。
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莫斯科影展 (MOSCOW FILM FESTIVAL)
1935年2月首度在莫斯科举行，也是东欧的第一个国际性影展。影展曾一度中断，直到1957年，为了呼应国际青年节才恢复举行。近年来由于东西方冷战的解冻，莫斯科影展中西方世界影片的参展量，已越来越多。
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木偶动画 (PUPPET ANIMATION)
以立体木偶而非平面素描或绘画来拍摄的动画影片。
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美国PG级 (PARENTAL GUIDANCE SUGGESTED)
普通级，建议在父母的陪伴下观看，有些镜头可能让而用产生不适感.辅导级，一些内容可能不适合儿童观看——该级别的电影基本没有性爱、吸毒和裸体场面，即使有时间也很短，此外，恐怖和暴力场面不会超出适度的范围。
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美国PG-13级 (PARENTS STRONGLY CAUTIONED)
普通级，但不适于13岁以下儿童特别辅导级，13岁以下儿童尤其要有父母陪同观看，一些内容对儿童很不适宜——该级别的电影没有粗野的持续暴力镜头，一般没有裸体镜头，有时会有吸毒镜头和脏话。
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美国电影评议会 (NATIONAL BOARD OF REVIEW)
一群电影界人士，志愿性地在1909年创立的组织，以公开放映前预先试映及评价电影为其目的。直至1927年以前，这自发的评审团一直以半官方的资格来执行此任务。0930年开始每年评选十大电影及其它的电影奖项。
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美国G级 (GENERAL AUDIENCES All ages admitted)
大众级，所有年龄均可观看大众级，适合所有年龄段的人观看——该级别的电影内容可以被父母接受，影片没有裸体、性爱场面，吸毒和暴力场面非常少。对话也是日常生活中可以经常接触到的。
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蓝衣镜头 (BLUE COATING)
一层位于镜头表面的薄膜，呈蓝色，用于改善镜头传送光线的能力，并防止不必要的偏光和散光。
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类型选角 (TYPECASTING)
依演员的长相、气质、特征等性质，来决定适合他演出的角色。一个演员一旦在银幕上演活了某种角色，他就会把这种角色一直演下去。
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联美公司 (UNITED ARTISTS)
1919年由四位著名导演及演卓别林、范朋克、毕克馥、格里菲斯出资创建，逐步发展成为控制美国电影生产和发行的八大公司之一。在1981年并入米高梅公司，改称为米高梅——联美娱乐公司，以出品007系列电影知名。
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临场音响 (SENSURROUND)
为制造特殊效果而设计的一种电影音响系统，多半用于增加动作片之气势，例如《大地震》（1975）。
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宽银幕电影 (WIDE SCREEN)
比传统标准银幕更宽的一种银幕规格。把放映画面予以展宽，使观众扩大视野，增加临场真实感。
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节奏蒙太奇 (RHYTHMIC MONTAGE)
变化节奏，以之带动主题内涵的一种剪接技巧。
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幻想片 (FANTASY FILM)
以想像、梦幻或幻觉中的时空为创作题材的电影类型，叫幻想片。
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镜头内剪接 (IN-CAMERA EDITING)
拍摄电影时，利用摄影机的操作，直接在影片拍摄过程中进行如同剪接效果般的分镜拍摄方式。
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即兴表演 (IMPROVISATION)
指在一部电影的拍摄过程中，演员不先靠剧本而自然流露出的动作和对白表演。演出时，表演人员忽然冒出不在剧本的上对白，叫做“即兴台词”（AD LIB）。
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剧情片 (FEATURE FILM)
通常指有虚构情节的故事性电影。
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监看器 (MONITOR)
在制作过程中，一个为检查画面或声音品质而设计的监视系统。
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惊悚片 (THRILLER)
以侦探、神秘事件、罪行、错综复杂的心理变态、或精神分裂状态为题材的一种电影类型。
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加拿大电影局 (NATIONAL FILM BOARD)
1939年5月由国家电影委员会及英人约翰葛里尔逊促成的一个单位。著名的新闻片系列如《世界动态》（1942-45）及《今日加拿来大（1940-45）》便是电影局的作品。在1956年电影局从渥太华迁至蒙特娄后，也大量增加法语片的制作，并成立法语小组。1960年代后，电影局亦有制作剧情长片。
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搅片 (JAM)
指底片或影片在摄影机或放映机中搅成一团。有人戏称之为“沙拉”。
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间隔剪接 (INTERCUTING)
常与交叉剪接和平行剪接发展互用，都是指一种剪接要领和技巧，能在同时或不同时发生的叙述元素之间来进行。严格来讲，间隔剪接是指包含两个或多个分别发展的片段，但相互之间并无明显时间关系的剪接结构。如《教父继集》（1975）中，导演将黑社会家族父子不同时空的故事，以场为单位做间隔剪接。
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交混剪接 (CROSSCUTTING)
在影片中双线或多骊以展的情节或动作之间的剪接。如：《夜与雾》（1955）。
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精剪 (FINAL CUT)
指影片的最后一道剪接，完成后的版本，即代表电影上映时的版本。
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聚光灯 (SPOTLIGNT)
照度强、照幅窄、便于朝场景中的特定区位集中照射的灯，是摄影棚内用得最多的一种灯。
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化妆师 (COSMETICIAN)
为电影角色（人和动物）化妆的人。工作范围从一般的美容化妆，到人物脸部或肢体的特殊效果。随着电影工业的发展，一般化妆和特殊造型化妆的区别越来越大，而特殊造型化妆也因功用的不同，分工越来越细。
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结构电影，知觉电影 (STRUCTURAL FILM，PERCEPTUAL FILM)
使用或慢或快的摄影机运动、重复配音、极长的伸缩镜头、闪烁的影像或拍摄银幕上放映的影像的电影，目的在探讨电影媒体的结构。
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景别
由于摄影机与被摄影的距离不同而造成的被摄体在电影画面中所呈现出来的范围大小的区别。景别一般分为5种，由近及远：特写（人体肩以上）、近景（胸以上）、中景（膝以上）、全景（人体全部及周围背景）、远景（被摄体所处的环境）
景别是指由于摄影机与被摄体的距离不同，而造成被摄体在电影画面中所呈现出的范围大小的区别。景别的划分，一般可分为五种，由近至远分别为特写（人体肩部以上）、近景（人体胸部以上）、中景（人体膝部以上）、全景（人体的全部和周围背景）、远景（被摄体所处环境）。在电影中，导演和摄影师利用复杂多变的场面调度和镜头调度，交替地使用各种不同的景别，可以使影片剧情的叙述、人物思想感情的表达、人物关系的处理更具有表现力，从而增强影片的艺术感染力。
景别是指由于摄影机与被摄体的距离不同，而造成被摄体在电影画面中所呈现出的范围大小的区别。景别的划分，一般可分为五种，由近至远分别为特写（对被摄体某一局部或表情、动作进行表现）、近景（人体胸部以上）、中景（人体膝部以上）、全景（被摄体全部和周围背景）、远景（被摄体所处整个环境）。在电影中，导演和摄影师利用复杂多变的场面调度和镜头调度，交替地使用各种不同的景别，可以使影片剧情的叙述、人物思想感情的表达、人物关系的处理更具有表现力，从而增强影片的艺术感染力。
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镜次 (TAKE)
在摄取一个镜头或一个场景时，摄影机的一趟启动停止，称为一人镜次。有时候一个镜头的完成需要拍很多镜次。
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混音 (MIXING)
将对白、音乐、音效等多种音源予以混合的处理过程，又称为再录音（RE=RECORDING）。
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画面分镜剧本 (STORY BOARD)
以草图、绘画或照片，依连戏顺序将影片段落或整部影片的主要动作和叙述流程摘述出来。广泛地被用在动画片的制作，以及呈给客户审阅的电视广告影片企划中。
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华纳兄弟影业公司
华纳兄弟影业公司(Warner Bros.)1923年4月由华纳4兄弟创建。当时总部设在纽约，制片厂设在好莱坞附近的伯班克。华纳兄弟1917年开始在纽约从事电影的发行放映业务，建立华纳公司摄制影片是业务的扩展。1925年接管维泰葛拉夫制片公司，并于1927年摄制、发行电影史上第一部有声影片《爵士歌手》，从而使华纳公司于30年代初进入了好莱坞8大电影公司的行列。华纳公司在30年代以拍摄强盗片、歌舞片和传记片著称，尤以E.G.鲁宾逊、J.贾克奈、H.鲍嘉等人主演的强盗片最有观众。传记片中也有不少受欢迎的作品，如P.茂尼主演的《左拉传》(1937)等。华纳的影片一般都比较朴素、紧凑，成本也较低，其主题都或多或少与30年代初发生的美国经济危机有联系。50年代美国电影萧条时期，华纳把财力转向制作电视系列片。60年代开始，越来越多地采用向独立制片人投资的制片方式。它成功地拍摄了《窈窕淑女》(1964)、《谁害伯弗吉尼亚.沃尔夫》(1966)、《邦妮和克莱德》(1967)等。1967年加拿大发行电视片的七艺公司买下了华纳公司，改名为华纳—七艺公司。两年后，华纳—七艺公司又转让到一个大企业集团金尼全国服务公司手中，改组为华纳交流公司。这个公司经营的业务范围甚广，制片和发行影片仅是其中的一个项目。
不像米高梅，华纳兄弟可没有大公司的架子。因为四兄弟原本是贫穷的波兰移民的后代，不知财大气粗是什么意思。最穷时，四兄弟兜里不到一块钱，全靠卖明星----一条名叫“零丁丁”的狗的照片，来给大家开工资。他们用钱抠抠唆唆，像个二流的公司。一次杰克.华纳很生气，因为剧组跑出去拍外景：“我们花了那么多钱在片场建了一个公园，还要出去，难道别人的草地都比我们的绿吗？”
掌管公司的华纳兄弟，希望他们投入的每一分钱都能获得最大的利润。他们做电影和做事的方法都很直接。当有声片只存在与别人的想象中的时候，他们已经付诸行动。为按时完成《爵士歌王》的制作，以便能及时参加1927年10月6日在纽约举行的首映式，他们没日没夜工作，在即将首映的时候，山姆.华纳突然脑溢血被送往洛杉矶医院。杰克.华纳和哥哥们租了专列，带了两名专家赶回来，但仍然晚了，39岁的山姆在华纳兄弟即将取得巨大胜利的前夜病逝了。《爵士歌王》简直是一夜之间轰动了世界，华纳兄弟以自己家庭的悲剧成功结束原本由派拉蒙和米高梅电影公司统治的朝代，站到了电影行业的最前沿。
华纳兄弟是粗人，他们喜欢荤笑话，最钟情的产品是生猛的强盗片和黑色片，他们寻找电影素材的方式，是翻看报纸的司法版。所以在这个造梦的行业里，华纳是离社会现实最近的电影公司，他们的电影具有凶险性又特别突出下层社会生活，如现实主义风格强烈的《小恺撒》和《欲海情魔》都是如此。
华纳兄弟之间也窝里斗，最后是最小的弟弟杰克.华纳掌控了实权。有趣的是很多华纳公司的明星身上都有老板杰克.华纳的影子，从外形到个性都是，比如亨弗莱.鲍嘉和保罗.穆尼，都是个子不太高，脾气急躁，好斗但讨厌是非。尤其是蓓蒂.戴维斯这样的“一姐”，外在条件不佳，完全凭的是精湛演技和个人奋斗成为两届奥斯卡影后，那个性真是任性刁蛮极了。她在第二次获奖的《红衫泪痕》中演一个倔强的南方美女，因为人性失去男友，后来又想尽办法将已成有妇之夫的他抢回来，简直就是她本人性格的真实写照。不过华纳有迈克尔.柯蒂斯这样的王牌导演在，以速度快，讲实效和多面手著称，而且还能管住这些难处和桀骜不逊的明星。
一无所有出身的华纳兄弟常常冒险去做不太有把握的事情，这使得华纳最具革命性的公司：它出品了世界第一部有声片，推出影响一代人的青春偶像詹姆斯.迪恩，还在1967年同意拍摄《邦妮与克莱德》，结束了旧好莱坞时代。
代表作品
2006 超人归来
2005 哈利波特与火焰杯 康斯坦丁：地狱神探 蝙蝠侠：开战时刻 毁灭战士
2004 极地快递 百万宝贝 飞行者 12罗汉 哈利波特3之阿兹卡班的囚徒
2003 黑客帝国3：矩阵革命 最后的武士 黑客帝国2：重装上阵 火柴男人
2002 间接伤害 向左走向右走 哈利波特与消失的密室 训练日
2001 剑鱼行动 哈利·波特之魔法石 人工智能
2000 致命罗密欧 完美风暴
1999 绿色奇迹 挑战星期天 黑客帝国
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环球电影公司 (UNIVERSAL)
由卡尔蓝默尔于1912年成立的一家美国电影公司。
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海斯办公室 (HAYS OFFICE)
威尔海斯主持“美国电影协会”（MOTION PICTURE ASSOCIATION OF AMERICA）时，协会的俗称。
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海盗版 (PIRATED PRINT)
未经版权所有人或法定发行人同意，而进行翻制的影片拷贝。
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划接 (WIPE)
转场的一种手法。所谓划，指的是一个镜头自银幕的一端向另一端移动，而划去前一个镜头之意。
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黑白片 (B/W，BLACK-AND-WHITE FILM)
指在药膜上呈现不同层次的灰色影像的底片所制作的影片。黑白片为表现主义式的光影运用提供了很大的发挥空间，心理意涵往往也可以透过灰色层次的巧妙变化来传达，场面的气氛也可以经由影调的处理来加以创造。
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后表演区 (UPSTAGE)
剧场用语，指一个场景的后边地带，即距离摄影机较远的地带。
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工作日志 (LOG)
在制作一部影片的过程中，每天对各项细节和活动的记录。
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感伤剧 (WEEPIE)
美式俚语，原意为“掉眼泪”，后来转借来指那种专门制造感伤情节的爱情文艺片。
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故事剧本 (TREATMENT)
电影剧本的一种摘要，在内容上包括了完整的故事情节发展，全部的主要场景，以有一些具有关键性的对白。
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公式化影片 (FORMULA FILM)
形容一部电影采用为人熟悉的布局技法，及被拍过的题材来发展故事。很多电影类型都很容易产生公式化影片，特别是警匪片和西部片。
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公司标记 (LOGO)
指电影开头代表出品或发行公司的注册标记或象征物，如米高梅电影公司的狮子。
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故事大纲 (OUTLINE)
一个电影故事的纲要。通常是把电影成本中的主要情节和处理方式，用简要的文字表达出来。
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故事梗概 (SYNOPSIS)
为电影所写的简要故事纲要，亦称“本事”。
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跟拍镜头 (FOLLOWING SHOT)
随物体移动，保持物体在银幕空间的镜头。
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观光影片 (TRAVELOGUE)
以各种有趣的风土民情为题材的一种纪录片。
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跟焦 (FOLLOW FOCUS)
指在拍摄一个镜头时，随着人物或物体趋近或远离摄影机而改变焦距，以使其保持在精确的焦点上。
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观景窗 (VIEWFINDER)
摄影机本身固有的或附加在镜头外的一种取景装置。
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翻译字幕 (SUBTITLES)
即印于影片下沿的对白翻译。
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过肩镜头；拉背镜头 (OVWR-THE-SHOULDER SHOT)
隔着一个或数个人物的肩膀，朝另一个或数个人物拍取的镜头。过肩镜头的拍摄距离，大致在中景到中特写之间。
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固定镜头 (Fixed Shot)
简单的说就是镜头对准目标后，做固定点的拍摄，而不做镜头的推近拉远动作或上下左右的扫摄，设定好画面的大小后开机录影。平常拍摄时以固定镜头为主，不需要做太多变焦动作，以免影响画面稳定性，画面的变化，也就是利用取景大小的不同或角度及位置的不同，来变化景物的大小及景深，简单的说，就是拍摄全景时摄影机站后面一点，想拍其中某一部份时，摄影机就往前站一点，位置的变换如侧面，高处，低处等不同的位置，其呈现的效果也就不同，画面也会更丰富，如果因为场地的因素无法靠近，当然也可以用变焦镜头将画面调整到你想要的大小。
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放映 (PROJECTION)
将影片上的影像借光线呈现在银幕上就叫放映。
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放映商 (EXHIBITOR)
为付钱的观众放映电影的人就是放映商。负责大院z线排片事宜的人，往往也被视为代表该院线的放映商。
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发行 (DISTRIBUTION)
影片制作完成后、公演前所进行的一种商业活动。在欧美各国，影片由发行商向制片公司购买发行权，在某一特定地区发行，期限通常是五到七年。发行商再将放映执照发给放映商（戏院），提供影片给戏院上演，收取费用。这笔费用通常称为片租“RENTAL”。
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分级制 (RATING)
依据某种标准将影片加以分级的制度。美国的分级制由美国电影协会制订，包括四个等级：G级（普通级，年龄不限）、PG级（辅导级，年龄不限，但需有家长指导）、R级（限制级，十七岁以下的观众需有家长或成年监护人陪伴始得入场）、X级（十七岁以下观众禁止入场，年龄限制可视情况提高）。英国的分级是由“英国电影检查委员会”（BRITISH BOARD OF FILM CENSORS）制订，分为：U级（普通级）、A级（需有家长指导）、AA级（十四岁以下青少年观众禁止入场）、X级（十八岁以下青少年观众禁止入场）。
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分镜剧本 (SHOOTING SCRIPT)
亦称为“导演剧本”，包含动作、对白，以及导演和摄影师的重要工作资料之剧本。
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分割画面 (SPLIT-SCREEN PROCESS)
以线条将画面分成数个独立视像区域的暗房技巧。在《天罗地网》（1968）和《辣手人魔》（1968）这两部片子里面，分割画面用的特多。
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方法演技 (METHOD ACTING)
一种脱胎自前苏联戏剧家康士坦丁史丹尼斯拉夫斯基所创立的写实主义表演体系的演技训练。其后辗转传入美国，经过另一番诠释，改称“方法演技”。“体系表演”分为两在部分，即演员自我修养和演员创造角色。
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方法演技演员 (METHOD ACTOR)
普遍用以指曾经学习前苏联戏剧家康士坦丁史丹尼斯拉夫斯基写实主义表现方法的演员。如马龙白兰度、詹姆斯狄恩、卡尔马登等。
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二十世纪福斯电影公司 (20TH CENTURY-FOX)
1935年透过合并而成立的一家美国电影公司。由戴立欧柴纳克担任重负责人达四十年，现被并购于梅多克的新闻集团之下，是好莱坞主流的制片厂之一，代表作为《铁达尼号》（1987）。
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分段式影片 (EPISODE FILM)
由数个独立的段落组合而成的剧情片，这些段落可能会有主题的关联性或叙述的连贯性，也可能彼此毫不相干，可能由不同的导演分别拍摄，也可能由同一个导演拍摄。如大卫葛菲斯的《偏见的故事》（1919）。
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动作时机 (TIMING)
在一场戏里头，导演或演员为达成某种节奏或其它效果，而对戏剧动作的表演时机特意去加以掌控之意。
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对嘴 (LIP SYNC)
指对白与演员的嘴唇动作达到精确的同步效果。
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动作连戏 (MATCH ON ACTION)
一种连戏剪接法，将相同动作但不同取镜角度的镜头，在动作的接点上剪接在一起而没中断的剪接法。
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电影资料馆 (ARCHIVE)
电影资料馆是基于学术研究、历史研究或社会教育的目的，而收集各种影片、书籍等相关资料，加以归档保存的一种机构。电影资料馆还有一个国际性组织，“国际电影资料馆联盟”（FIAF）。
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电影批评 (CRITICISM)
对电影的诠译及评价，通常指较祥尽和较有深度的影评，与“FILM REVIEW”有别。
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电影理论 (FILM THEORY)
对电影的意识形态、文化背景、题材内容、表达形式和艺术风格做深入的研究探讨，并企图归纳及建立出一套自足的思辨过程的学说。
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大远景 (EXTREME LONG SHOT)
缩写为ELS或XLS，是用广角镜头拍摄一个辽阔区域，通常是从高角度拍摄的画面，用来做为定场镜头或提示宽广开阔的空间。
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电影附加产品 (TIE-IN)
与一部电影相关连的各种商品，最常见的情况是同时出版改编的小说或原声带专辑唱片。例如《蝙蝠侠》（1989）的附加产品多达一百多种。
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电影笔记 (CAHIERS DU CINEMA)
法国的电影杂志。创刊于1951年，奠定电影批语的美学观，与当时批评界的矫饰风气相抗衡，使人重新评估商业电影对电影艺术的贡献。
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电影城 (CINECITTA)
欧洲最大的复合式电影片厂，距离罗马市中心约6哩处，建于1937年，形态似好莱坞，所以被称为“泰伯河上的好莱坞”。第二次世界大战后，为了节省制作费和税金的支出，美国电影公司曾在这里大量制作影片。
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电影大亨 (MOGUL)
指大制片家，例如美国好莱坞的戴立欧柴纳克和亚道夫苏克。张善琨、陆运涛、邵逸夫、邓文怀则为港台近四十年来知名的电影大亨。
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电影胶片 (FILM)
1、电影胶片 制作影片用的感光材料总称。
2、电影 一般影片的通称，与“MOVIE”和“CINEMA”同义。
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地下电影 (UNDERGROUND CINEMA)
做为独立制片影片、前卫电影和实验电影的同义词。也指处理尖锐题材，或故意反传统的电影。
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定位替身 (STAND IN)
在安排布景、设定摄影机位置、测光、调整灯光等繁琐过程中，暂时代替明星站在表演位置上的人。
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灯光指导 (GAFFER)
电影节拍摄现场的首席灯光人员。
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导片 (LEADER)
一段透明或全黑的胶片，通常用于剪接工作中，以利装片放映，和保护胶片。
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动画美术设计 (LAYOUT)
指动画影片中人物和背景的造型设计，也指负责这个工作的人。
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底片感光度 (FILM SPEED)
指底片的感光乳剂对光线的敏感度。在美国以ASA指数表示。DIN指数则用于欧洲部分国家。ASA指数越高，底片感光度越高。
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调焦员 (FOCUS PULLER)
摄影组的一分子，职责是在跟摄时高速镜头的焦距。
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独立制片 (INDEPENDENT FILMMAKING)
由未与商业片厂签约的个人发动的电影拍摄计划。
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搭档谐星 (STRAIGHT MAN)
在银幕上，以搭档方式演喜剧的谐星。
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第二工作组 (SECOND UNIT)
一个编制完整的制作人员组合，通常负责拍摄不需要导演或主要演员在场的影片部分。
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德国新电影 (NEW GERMAN CINEMA)
1960年代初出现在西德的一次旨在振兴德国电影的运动，源于1962年的奥伯豪森第八届西德短片电影节。当时有二十六位青年电影导演、编剧和演员联名发表了一篇《奥伯豪森宣言》，宣称要“与传统电影决裂，要运用新的电影语言”并“从阵规陋习、商业伙伴和某些利益集团的羁绊中解脱出来”，以创立德国新电影。初期的德国新电影在国内不受欢迎，很快就陷入了经济危机。 1975年，运动第二次出现高潮，电视台开始资助青年导演拍片，并出现了雷纳温纳法斯宾达、温纳荷索和文温德斯这些艺术上富有特色的导演。他们的影片，如法斯宾达的《恐惧吞噬心灵》（1973），温德斯的《爱丽比漫游记》（1973），和雪朗道夫的《锡鼓》（1979）等片。从1979年以来，运动的声势更加壮大，实际上已成为西德电影的主流，德国新电影在人们心中已成为一个流派的标志，代表所有新崛起的、有各自的艺术特色的西德表青年导演的电影作品。
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法国新浪潮电影
法国新浪潮电影指法国1952年代末、1960年代初的新电影制作及创作倾向，其中不少新导演都是《电影笔记》杂志的影评人，包括重要的导演如尚卢高达、法兰苏瓦楚浮、克劳德夏布洛、贾克希维特等人，他们大都崇尚个人独创性，表现出对电影历史传统的高度自觉，体现“作者论”的风格主张，不论在主题上或技法上都与传统电影大相径庭。代表作如亚兰雷内的《广岛之恋》（1959）和尚卢高达的《断了气》（1960）等。
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超现实主义电影 (SURREALIST FILM)
现代电影的一种运动，1920年兴起法国，主要是将意象做特异、不合逻辑的安排，以表现潜意识的种种状态。
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次要情节 (SUBPLOT)
一电影故事之次要发展。它往往触及主要情节或丰富主要情节。
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对白 (DIALOGUE)
在电影中所有说出的台词都叫对白，亦称“台词”。 DIALOGUE DIRECTOR 对白指导在排练和拍摄阶段，指导演员表达台词及动作的人。
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磁性声带 (MAGNETIC SOUND TRACK)
指声音是录在底片边缘的氧化铁条状带上而得之声带，在性质上与磁性录音带相当类似，在重现声音时一般要优于光学声带。
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定场镜头 (ESTABLISHING SHOT)
影片一开始，或一场戏的开头，用来明确交待地点的镜头，通常是一种视野宽阔的远景。有时候，定场镜头与涵盖镜头相同，目的在确立场景中所有人物与空间的关系。
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插入镜头 (INSERT SHOT)
指包含视觉细节，为了达到提供讯息的目的，或强调戏剧重点，而被插入的镜头。譬如一个人在读书的画面,插入书本内容的特写镜头。
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场务 (GRIP)
杂务工，相当于舞台剧的剧务，工作包括铺设移动车的轨道、移动拍摄平台、架设高台、安置反光板和遮光幕、做简单的木工，以及其它需劳力的工作。
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场记表、套片顺序表 (CONTINUITY SHEET)
1、场记表由场记记载及保管的记录，注明场景和每一个镜头在场记板上的号码，镜次的号码与其好坏，使用镜头与光圈的种类，拍摄时演员说出的台词、动作、道具、服装的细节等等。
2、套片顺序表指剪接师在剪接负片拷贝时，将每一个场景的主要号码排列出的顺序表。
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场务领班 (KEY GRIP)
拍摄现场的场务领班，以好莱坞的制作标准，一个场务领班通常拥有五至十位助手。
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传记影片 (BIOGRAPHICAL FILM)
根据公众人物生平而拍摄的影片。
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粗剪 (ROUGH CUT)
在剪辑过程中，将镜头和段落依大概的先后顺序加以接合的影片初样。根据确切剪接点剪接出来的片子，则叫精剪。
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场记板 (SLATE)
上面以粉笔写着场次、镜次、导演、片名、影片公司等资料的小木板，上缘还附有一段拍扳，上涂黑白相间条纹，一端可以开合，可以拍出清楚响声，以便剪接时声画同步作业的进行。
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嘲仿 (PARODY)
开别的影片或其它作品玩笑的影片或片段。开玩笑的对象通常是比较严肃的作品。例如《闪亮的马鞍》（1974）嘲仿的是西部片，《新科学怪人》（1974）嘲仿的是恐怖片。
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场景 (SETTING)
整部或部分电影的拍摄场地。
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补拍镜头 (PICKUPS)
在电影已经依照正常作业完成拍摄后，再补拍的部分。
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玻璃接景法 (GLASS SHOT)
以画在透明玻璃上的部分场景配合实景或搭制布景来合成一个画面的摄影方法。
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并列 (JUXTAPOSITION)
电影批评用语，指将一种或数种电影元素排列在一起，使其产生某种戏剧效果。例如一个镜头中视觉与听觉元素的并列，个别镜头之间的蒙太奇组合、时间元素的并列，不同色彩、声音、音乐元素的并列等等。如在《教父继集》（1975）中，在时间上差五十年的前后两代教父的故事穿插在一起，这是时间元素并列的例子。
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百代电影公司
于1896年建立的一家法国电影公司。以一只昂首高唱的公鸡为片头标识，发行将近四十七年，至今百代二字仍与定期新闻片的制作连在一起，例如华纳百代新闻片。此外，这个字也指由百代电影公司制造的摄影机牌名。
最初由弟弟查尔·百代和哥哥爱米尔.百代创立.在起初濒临破产之际,得到了一个名叫格里伏拉斯的企业家的一百万法郎的投资。由于格里伏拉斯的投资，百代兄弟公司从此就得到了银行和大企业的支持。巡回演出商的百代，由此一变而为企业家了。百代公司在沙托设立了一个很大的工厂，专门经营蜡管的录音和翻版，接着又在樊尚摄制了一些在露天舞台上演出的影片。查尔·百代委托他来主持樊尚的制片工作；在百代的事业日趋兴旺以后，一个比梅里爱的摄影场规模更大的制片厂便建立起来了。在百代电影的全盛时期，百代兄弟的确获得了巨额的利润。1900年收入34．5万法郎，1902年91万法郎，1904年137万法郎，1906年650万法郎，1907年2400万法郎（包括折旧费在内），而公司的资本额，由于对董事们无偿地分给股票，也由最初的200万法郎增到500万法郎。这一估计数还未将董事们的巨额分红和会计上的暗账计算进去。 1907年，电影给百代——特别是给内瑞财团——带来了至少十倍于1907年公司资金的利润。开始于塞纳—马恩州市集的生意，这时胜利地向五大洲发展了。不辞劳苦的经纪人波佩尔，从1902年以后，足迹走遍了全球。在伦敦、纽约、柏林、莫斯科、布鲁塞尔、圣彼得堡、阿姆斯特丹、巴塞罗那、米兰、罗斯托夫、加尔各答、华沙、新加坡等地开设了代理店。这些代理店很快就变成了百代的分公司。1908年，百代公司在美国有价值200万法郎的不动产，在纽约附近有它的洗印厂，在纽约市内以后设立了一个制片厂。这一年百代公司卖给美国的影片尺数超过美国各大制片商的影片总数两倍以上。百代影片的雄鸡商标到处吸引观众涌向电影院。于是，百代公司决定实行一个庞大的计划，这个计划是由查尔·百代发起，在他的朋友、某大银行的亲信勒里埃弗尔的参谋下制订的。在此以前，百代公司的扩展主要是向横的方面发展，即从樊尚这一地点开始，逐渐伸展到全世界去。而现在查尔·百代则想到主要的力量放在纵的扩展方面，自此以后，他就想独占一切，从制造胶片和电影机械起一直到电影院和放映他的影片的木棚止，都归他来掌握。查尔·百代在实现了电影物质上的独占以后，进一步想要实现电影思想上的独占。皮埃尔·德库塞勒所领导的“作家及文学家电影协会”的成立，使百代公司获得了将大部分法国戏剧拍成电影的独占权利。百代公司还支配国际的电影交易。它的分支机构遍及各个国家，压倒这些国家里与其竞争的电影企业。在百代公司全盛时期，它统治的电影工业要比今天好莱坞的巨大工业还要全面，当然，那时的电影工业比今天的电影工业规模要小得多。百代公司在法国还有别的一些竞争者，如太阳公司、英狮公司、勒克斯公司、拉雷与罗伯特公司等等，但这些公司没有一个能使百代公司感到不安。可是百代除了“闪电”和高蒙两大劲敌以外，还必需对付那些在欧洲各国及美国各地势力逐渐增长的竞争者。但英国电影不久即告衰落。这是因为英国的影片生产始终停滞在手工业的阶段，所以一旦当电影工业化以后，它就很快趋于没落了。
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抢拍
摄影师在紧急情况下采用的一种拍摄方法。在电影拍摄过程中，有时为了及时拍下演员难得的表演，或为了抢时间拍摄气候或天气条件合适的外景等，摄影师可以作出当机立断的处置，临场采用抢拍的方法。摄影师抢拍的镜头，仍应符合导演总的创作意图。抢拍方法也常被用于新闻纪录电影的采访摄影中。
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拟音
影片创作手段之一。即使用人工发声器模拟影片中所需要的音响效果。如动作音响（脚步声、关门声）、自然音响（风雨声、雷声）等。
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社会片
以当代社会问题为题材的影片。在暴露资本主义社会黑暗方面起过积极作用，如30年代初期好莱坞摄制的影片《亡命者》、《辛辛监狱二万年》等。70年代，日本青少年犯罪案件急剧上升、形成严重的社会问题，日本有以此为题材摄制的影片《绞杀》、《青春残酷物语》、《儿子啊》等。80年代，中国也摄制一些对青少年具有教育作用的社会片，如《陌生的朋友》、《少年犯》等。
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童话片
以童话故事为题材，主要为儿童拍摄的影片。多以神话、传说、寓言、动物和无生命物体的拟人化故事为情节线索，运用想像、幻想和夸张手法，塑造形象，反映生活，并以优美动人的画面，通俗有趣的对话，使观众在美的享受中接受思想道德教育。童话片可以拍成美术片，也可以拍成由演员扮演角色的故事片。
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环形电影
又称“环幕电影”。一种在围绕影院圆形内壁、呈３６０度的环形银幕上放映的电影。由多台摄影机同步摄制，多台放映机同步放映，有三台、五台、九台、十一台等多种。环形电影院的放映机装置在环形银幕上方的放映室中，观众站立于观众厅中央，可随意四面观看。由于视野开阔，具有多声道立体声效果，能使观众产生身临其境的感觉。但由于设备复杂，放映时间不宜过长，一般仅半小时左右。环形电影院不能兼放普通影片，故限制较大，难以推广。
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闪回
影片中表现人物内心活动的一种手法。即突然以短暂的画面插入某一场景，用以表现人物此时此刻的心理状态和感情起伏。与一般回忆及倒叙不同，闪回不需要中断原来场景中的动作和节奏，而撷取最富于特征、最具有鲜明形象性的动作或细节，用极其简洁明快的手法加以强调和表现，给观众以清晰而深刻的印象。“闪回”的内容一般为过去和已经发生的事情，如表现人物对未来或即将发生的事情的想像和预感则称为“前闪”，两者统称为“闪念”。
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拉镜头
将摄影机放在移动车上，对着人物或景物向后拉远所摄取的画面。摄影机逐渐远离被摄主体，画面就从一个局部逐渐扩展，使观众视点后移，看到局部和整体之间的联系。类型电影20世纪三四十年代在美国好莱坞占主流地位的一种影片制作方式的统称。电影艺术在其发展进程中，逐渐形成电影所特有的不同类型的影片。所谓类型，是指由于不同的题材、技巧和格调而形成的影片的范畴、种类或样式。例如，好莱坞电影最重要类型之一——西部片，具有独特的题材领域、自然背景、地区特征乃至于场景、服装、道具等造型元素，并由此产生这一类型独有的叙事方式、形象构造、场面调度等艺术手法。其他类型如喜剧片、歌舞片、犯罪片、警匪片、侦探片、恐怖片、战争片、社会片、伦理片、幻想片、心理片、历史片、传记片、爱情片、儿童片、体育片、灾难片等都有各自的传统特征。类型电影是艺术产品商业化、标准化的表现形态，多以观众喜爱的明星扮演的定型化的人物、观众感兴趣的流于程式化的情节，富于刺激性的图解式的银幕形象牢牢地抓住观众；但由于它保留了历年来艺术家们卓有成效的创造，形成电影自身的传统，并随着时势的推移不断有所变化，符合大众化艺术的要求，因此为好莱坞电影赢得广大的国际市场，并为其他国家商业电影所仿效。第二次世界大战以后，由于好莱坞大制片厂制度的解体、导演个人风格的强调、各国新电影流派的兴起、观众审美情趣的变异，电影类别及其内涵、技法、形式、界限均发生很大变化。
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蒙太奇
法文（montagemontage n.蒙太奇, 文学音乐或美术的组合体的音译)，原为建筑学术语，意为构成、装配。电影创作的主要叙述手段和表现手段之一。电影将一系列在不同地点，从不同距离和角度，以不同方法拍摄的镜头排列组合起来，叙述情节，刻画人物。但当不同的镜头组接在一起时，往往又会产生各个镜头单独存在时所不具有的含义。例如卓别林把工人群众进厂门的镜头，与被驱赶的羊群的镜头组接在一起；普多夫金把春天冰河融化的镜头，与工人示威游行的镜头组接在一起，就使原来的镜头表现出新的含义。爱森斯坦认为，将对列镜头组接在一起时，其效果“不是两数之和，而是两数之积”。凭借蒙太奇的作用，电影享有时空的极大自由，甚至可以构成与实际生活中的时间空间并不一致的电影时间和电影空间。蒙太奇可以产生演员动作和摄影机动作之外的第三种动作，从而影响影片的节奏。早在电影问世不久，美国导演，特别是格里菲斯，就注意到了电影蒙太奇的作用。后来的苏联导演库里肖夫、爱森斯坦和普多夫金等相继探讨并总结了蒙太奇的规律与理论，他们的有关著作对电影创作产生了深远的影响。蒙太奇原指影像与影像之间的关系而言，有声影片和彩色影片出现之后，在影像与声音（人声、音响、音乐），声音与声音，彩色与彩色，光影与光影之间，蒙太奇的运用又有了更加广阔的天地。蒙太奇的名目众多，迄今尚无明确的文法规范和分类，但电影界一般倾向分为叙事的、抒情的和理性的（包括象征的、对比的和隐喻的）三类。第二次世界大战后，法国电影理论家巴赞（Andr Bazin， 1918－1958）对蒙太奇的作用提出异议，认为蒙太奇是把导演的观点强加于观众，限制了影片的多义性，主张运用景深镜头和场面调度连续拍摄的长镜头摄制影片，认为这样才能保持剧情空间的完整性和真正的时间流程。但是蒙太奇的作用是无法否定的，电影艺术家们始终兼用蒙太奇和长镜头的方法从事电影创作。也有人认为长镜头实际上是利用摄影机动作和演员的调度，改变镜头的范围和内容，并称之为“内部蒙太奇”。
蒙太奇，是电影构成形式和构成方法的总称。
蒙太奇——是法语montage的译音，原是法语建筑学上的一个术语，意为构成和装配。后被借用过来，引申用在电影上就是剪辑和组合，表示镜头的组接。
简要地说，蒙太奇就是根据影片所要表达的内容，和观众的心理顺序，将一部影片分别拍摄成许多镜头，然后再按照原定的构思组接起来。一言以蔽之：蒙太奇就是把分切的镜头组接起来的手段。
由此可知，蒙太奇就是将摄影机拍摄下来的镜头，按照生活逻辑，推理顺序、作者的观点倾向及其美学原则联结起来的手段。首先，它是使用摄影机的手段，然后是使用剪刀的手段。
当然。电影的蒙太奇，主要是通过导演、摄影师和剪辑师的再创造来实现的。电影的编剧为未来的电影设计蓝图，电影的导演在这个蓝图的基础上运用蒙太奇进行再创造，最后由摄影师运用影片的造型表现力具体体现出来。
在电影的制作中，导演按照剧本或影片的主题思想，分别拍成许多镜头，然后再按原定的创作构思，把这些不同的镜头有机地、艺术地组织、剪辑在一起，使之产生连贯、对比、联想、衬托悬念等联系以及快慢不同的节奏，从而有选择地组成一部反映一定的社会生活和思想感情、为广大观众所理解和喜爱的影片，这些构成形式与构成手段，就叫蒙太奇。
综上所述，可见电影的基本元素是镜头，而连接镜头的主要方式、手段是蒙太奇，而且可以说，蒙太奇是电影艺术的独特的表现手段。
既然一部影片的最小单位是镜头，那么，这电影的基本元素——镜头，究竟是什么呢？它和蒙太奇又有什么关系呢7我们知道，镜头就是从不同的角度、以不同的焦距、用不同的时间一次拍摄下来，并经过不同处理的一段胶片。实际上，从镜头的摄制开始，就已经征使用蒙太奇手法了。
就以镜头来说，从不同的角度拍摄，自然有着不同的艺术效果。如正拍、仰柏、俯拍、侧拍、逆光、滤光等，其效果显然不同。就以本同焦距拍摄的镜头来说，效果也不一样。比如远景、全景、中景、近景、特写、大特写等，其效果就不一样。再者，经过不同的处理以后的镜头，也会产生不同的艺术效果。加之，由于空格、缩格、升格等手法的运用，还带来种种不同的特定的艺术效果。再说，由于拍摄时所用的时问不同，又产生了长镜头和短镜头，镜头的长短也会造成不同的效果的。
同时，在连接镜头场面和段落时，根据不同的变化幅度、不同的节奏和不同的情绪需要，可以选择使用不同的联接力法，例如谈、化、划、切、圈、掐、推、拉等。总而言之，拍摄什么样的镜头，将什么样的镜头排列在一起。用什么样的方法连接排列在一起的镜头，影片摄制者解决这一系列问题的方法和手段，就是蒙大奇。如果说画面和音响是电影导演与观众交流的“语汇”，那么，把画面、音响构成镜头和用镜头的组接来构成影片的规律所运用的蒙太奇手段，那就是导演的“语法”了。
对于一个电影导演来说，掌握了这些基本原理并不等于精通了“语法”，蒙太奇在每一部影片中的特定内容和美学追求中往往呈现着千姿百态的面貌。
蒙太奇对于观众来说，是从分到分。对于导演来说，蒙太奇则先是由合到分，再分切，然后又由分到合，即组合。分切的最小单位是镜头，因此导演应写出分镜头剧本。作为观众，应当怎样从蒙太奇的角度来鉴赏导演的艺术呢？说到底，蒙太奇是导演用来讲故事的一种方法；听的人总希望故事讲得顺扬、生动，富有感染力又能调动起观众的联想，引起观众的兴趣，这些要求完全适用于蒙太奇。观众不仅仅满足于弄清剧情校概。或一般地领悟到影片的思想意念，而是要求清晰而流畅地感知影片叙述流程的每一个环节和细部，—部影片的蒙太奇首先应让观众看懂。
现在，一部当代的故事影片，一般要由五百至一千个左右的镜头组成。每一个镜头的景别、角度、长度，运动形式，以及画面与音响组合的方式，都包含着蒙太奇的因素。可以说，从镜头开始就已经在使用蒙太奇了。与此同时，在对镜头的角度、焦距、长短的处理中，就已经包含着摄制者的意志、情绪、褒贬、匠心了。
在镜头间的排列、组合和联接中，摄制者的主观意图就体现得更加清楚。因为每一个镜头部不是孤立存在的，它对形态必然和与它相连的上下镜头发生关系，而不同的关系就产生出连贯、跳跃、加强、减弱，排比、反衬等不同的艺术效果。另一方团，镜头的组接不仅起着生动叙述镜头内容的作用，而且会产生各个孤立的镜头本身未必能表达的新含义来。格里菲斯在电影史上第一次把蒙太奇用于表现的尝试，就是将一个因在荒岛上的男人的镜头和一个等待在家中的妻子的面部特写组接在一起的实验，经过如此“组接”，观众感到了“等待”和“离愁”，产生了一种新的、特殊的想象。o又加，把一组短镜头诽列在一起，用快切的方法来连接，其艺术效果，同一组的镜头排列在一起，用“淡”或“化”的方法来连接，就大不一样了。
再如，把以下A、B、C三个镜头，以不同的次序连接起来，就会出现不同的内容与意义。
A，一个人在笑； B、一把手枪直指着；C、同一的人脸上露出惊俱的样子。
这三个特写镜头，结观众什么样的印象呢？
如果用A—B—C次序连接，会使观众感到那个入是个懦夫、胆小鬼。现在，镜头不变，我们只要把上述的镜头的顺序改变一下，则会得出与此相反的结论。
C、一个人的脸上露出院俱的样子，B、一把手枪直指着；A、同一的人在笑。
这样用C—B—A的次序连接，则这个人的脸上露出了惊惧的样子，是因为有一把手枪指着他。可是，当他考虑了一下，觉得没有什么了不起，于是，他笑了——在死神面前笑了。因此，他结观众的印象是一个勇敢的人。
如此这样，改变一个场面中镜头的次序，而不用改变每个镜头本身，就完全改变了一个场面的意义，得出与之截然相反的结论，收到完全不同的效果。
这种连贯起来的组织相排列，就是运用电影艺术独特的蒙太奇手段，也就是我们所讲的影片的结构问题。从上面的例子，我们可以看出这种排列和组合的结构的重要性，它是把材料组织在一起表达影片的思想的重要手段。同时。由于排列组合的不同，也就产生了正、反，深、钱，强、弱等不同的艺术效果。
苏联电影大师爱森斯坦认为，A镜头加B镜头，不是A和B两个镜头的简单综合，而会成为C镜头的崭新内容和概念。他明确地指出：“两个蒙太奇镜头的对列不是二数之和，而更象二数之积——这一事实，以前是正确的，今天看来仍然是正确的。它之所以更象二数之积而不是二数之和，就在于对排列的结果在质上（如果愿意用数学术语，那就是在”次元“上）水远有别于各个单独的组成因素。我们再回到上述的例子。妇人——这是一个画面，妇人身上的丧服——这也是一个画面；这两个画面都是可以用实物表现出来的。而由这两个画面的对列所产生的‘寡妇’，则已经不是用实物所能表现出来的东西了，而是一种新的表象，新的概念，新的形象。”
由此可见，运用蒙太奇手法可以使镜头的衔接产生新的意义，这就大大地丰富了电影艺术的表现力，从而增强了电影艺术的感染力。关于这个向题，我们还可以从物理学上的一个现象得到极大的启发：众所周知，炭和金刚石这两种物质。就其分子组成来讲是的相同的。但一个出奇的松脆，一个则无比的坚硬，为什么附科学家研究的结果证明：是因为分子排列（品格结构）不同而造成的。这就是说，同样的材料，由于排列不同，可能产生如此截然相反的结果，这实在发人深思了。
匈牙利电影理论家贝拉。巴拉兹也同样指出：“上—个镜头一经连接，原来潜在于各个镜头里的异常丰富的含义使象电火花似地发射出来。”可见这种“电火花”似的含义是单个镜头所“潜在”的为人们所未察觉的，非要在“组接”之后，才能让入们产生一种新的、特殊的想象。我们所讲的蒙太奇，首先是指的这种镜头与镜头的组接关系，也包括时间和空间、音响和画面、画面和色彩等相互间的组合关系。以及由这些组接关系所产生的意义与作用等。
总之，“蒙太奇就是影片的连接法，整部片子有结构，每一章、每一大段、每一小段也要有结构，在电影上，把这种连接的方法叫做蒙太奇。实际上，也就是将一个个的镜头组成一个段，再把一个个的小段组成一大段，再把一个个的大段组织成为一部电影，这中间并没有什么神秘，也没有什么诀窍，合乎理性和感性的逻辑，合乎生活和视觉的逻辑，看上去‘顺当’、‘合理’、有节奏感、舒服，这就是高明的蒙太奇，反之，就是不高明的蒙太奇了。”再没有如此深入浅出、通俗易懂地对蒙太奇的说明与阐述了。
蒙太奇大的方面可以分为表现蒙太奇和叙事蒙太奇,其中又有心理蒙太奇,抒情蒙太奇,平行蒙太奇,交叉蒙太奇,重复蒙太奇等等。
蒙太奇学派出现在二十世纪二十年代中期的苏联，以爱森斯坦、库里肖夫、普多夫金为代表，他们力求探索新的电影表现手段来表现新时代的革命电影艺术，而他们的探索主要集中在对蒙太奇的实验与研究上，创立了电影蒙太奇的系统理论，并将理论的探索用于艺术实践，创作了《战舰波将金号》《母亲》《土地》等蒙太奇艺术的典范之作，构成了著名的蒙太奇学派。
爱森斯坦是蒙太奇理论大师，1922年，他在《左翼艺术战线》杂志上发表了《杂耍蒙太奇》，这是第一篇关于蒙太奇理论的纲领性宣言。在爱森斯坦看来，蒙太奇不仅是电影的一种技术手段，更是一种思维方式和哲学理念。他指出：两个并列的蒙太奇镜头，不是“二数之和”，而是“二数之积”。《战舰波将金号》是爱森斯坦1925年拍摄的，是蒙太奇理论的艺术结晶，片中著名的“敖得萨阶梯”被认为是蒙太奇运用的经典范例。
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